Graciela Iturbide

El señor de los pájaros, 1984
Plata sobre gelatina
fotografía tomada en una isla del estado de Nayarit, cerca de las islas Marías, donde viven muchos pájaros y había un hombre que era el cuidador de la isla, en la fotografía se muestra a este observando a los pájaros


Jardín Botánico de Oaxaca, 1998
Plata sobre gelatina
en esta fotografía se muestra como Iturbide ha dotado de vida propia a sus imágenes del Jardín Botánico de Oaxaca, donde las plantas y sus sombras parecen albergar un mundo aparte.

Ritual de las fiestas de Niño Fidencio, 2009
Plata sobre gelatina
fotografía realizada en Espinazo, un pueblo que se encuentra en Nuevo León (México), allí hubo una persona que le llamaban el Niño Fidencio, que curaba con la mano a toda persona que iba. El Niño Fidencio ya murió, pero cada año se repite este ritual para recordarlo. En esta foto se muestra un manantial donde van y se purifican.


Nació en 1946 en Ciudad de México, en su obra nos muestra la realidad desde un punto de vista poético, se mezclan las referencias históricas, sociales y culturales, las tradiciones ancestrales, la naturaleza o los ritos.
Su fotografía tiene una gran fuerza y belleza visual.
Iturbide fotografía la vida cotidiana, casi siempre en blanco y negro y siempre medios fotográficos analógicos, las cámaras antiguas y el revelado tradicional.
Entró en la Escuela de Cine de México DF y filmó dos películas antes de dedicarse a la fotografía.

Jeff Wall

milk 1984
transparencia sobre caja de luz 1870 x 2290 mm

En esta fotografía, que está realizada mediante transparencias en cajas de luz, se muestra el momento en que un joven lanza al aire un vaso de leche, este hecho simboliza el estado de tensión del personaje



A Sudden Gust of Wind (after Hokusai) 1993

transparencia sobre caja de luz 2500 x 3970 mm

Fotografía basada en un grabado de Katsushika Hokusai, para realizar esta fotografía Wall usó la composición digital, para simular que en la fotografía se capta de modo casual el efecto de una ráfaga de viento se emplearon unas 100 fotografías realizadas durante mas de un año y que fueron montadas de manera digital.

Morning Cleaning, 1999

transparencia sobre caja de luz 1807 x 3510 mm

Representa el pabellón de Ludwig Mies van der Rohe realizado para la Exposición Internacional de 1929, celebrada en Barcelona, y que fue restaurado en los 80, el suelo de pabellón es de mármol y las paredes de cristal, y Wall se interesó por el modo en que se mantenía limpio el edificio y eso es lo que representa la fotografía, la limpieza matinal, una muestra del interés del autor por enseñar lo que suele pasar desapercibido.

Jeff Wall nació en Vancouver en 1946, mediante el uso de transparencias que coloca sobre gigantescas cajas luminosas (lightboxes) crea escenarios totalmente calculados, pero que representan una normalidad casi inquietante. Es un fotógrafo minucioso y perfeccionista que muestra una fotografía en apariencia realista pero que detrás esconde un complejo trabajo calculado hasta el último detalle.
Las imágenes de Wall hacen referencia a la puesta en escena tanto de la pintura como del cine, el mismo autor denomina a sus fotografías, cinematographic photographs

Cindy Sherman

Untitled # 96, 1981
Este retrato presenta Cindy Sherman interpretando a una joven adolescente, que sostiene en una mano la sección de contactos de un periódico, los colores son muy saturados, parece la escena de una película de los años 60. La fotografía tiene un tamaño 61 x 122 cm.


Untitled #276, 1992
Cindy Sherman aparece caracterizada como la Cenicienta, aunque aparece representada de un modo totalmente opuesto a la idea que tenemos de Cenicienta, como una chica inocente, dulce , muy hermosa, respondiendo al estereotipo de mujer rubia y atractiva, esperando a su príncipe azul que venga para solucionar sus problemas. Sin embargo, Sherman no la muestra con una imagen nada inocente, sus ropas son transparentes, posa en una actitud desafiante y no parece especialmente preocupada por que el príncipe venga a salvarla o. Irónicamente, ella sostiene un lirio, símbolo tradicional de la pureza.






Untitled #316, 1995
Pertenece a la serie "Horror Pictures", esta serie muestra una serie de impactantes criaturas, en ninguna de la fotografías de esta serie aparece Cindy Sherman, esta serie es fruto de las influencias del dadaísmo, el surrealismo, los collage, los fotomontajes,... y de la estética de las películas de terror de los 80.





Cindy Sherman (1954, Glen Ridge, New Yersey) pertenece a una corriente de artistas surgida en los años ochenta, en donde la fotografía se presenta como fuente de imágenes equiparable a la pintura y, en muchas ocasiones, empleando procedimientos narrativos y de puesta en escena característicos de la pintura o de la ficción cinematográfica

Su obra se divide en series, y nunca da nombres a sus fotos, las numera.

Sus primeras fotos, son una serie de autorretratos, “Film Stills”, de tamaño pequeño y en blanco y negro, rememoran escenas de películas, normalmente aparecen en ellas como único personaje, en medio de un escenario en el que no parece sentirse cómoda Se comporta como una extraña en un mundo que le es extraño.
Posteriormente sus trabajos tienen cada vez colores más chillones y los formatos son cada vez más grandes, en ellos se representa la imagen de la mujer desde dos puntos de vista, cómo la ve el hombre y cómo se ve la mujer a sí misma, para ello se disfrazaba adoptando el estereotipo de los años 50 o convirtiendose en personajes de muchos retratos famosos de Caravaggio,.., en series llamadas "Rear-Screen Projections" desarrollado a principios de los 80 o “History Portraits”, principios de los 90. En 1992 inicia la serie “Sex Pictures”, donde Cindy Sherman ya no aparece en las fotografías, si no que muestra muñecas y prótesis, en posturas sexualmente explícitas

Posteriormente con una serie de imágenes de aversión, abandona la critica social para centrarse en el crecer y en el morir, pasando por los procesos de putrefacción mostrando mascaras terroríficas y descomunales, sin abandonar la inspiración cinematográfica en este caso del cine fantástico moderno.
En el año 97 rodó la película “Office Killer”. Y a participado como actriz en la película de John Waters, "Pecker"

Man Ray

Perchero, 1920
A primera vista parece un collage, sin embargo es una fotografía, una modelo desnuda se esconde detrás de un pedestal coronado por una cabeza y unos brazos de cartón, Man Ray dejó totalmente a oscuras el espacio que rodea la figura, de manera que la figura femenina y el monigote de cartón se funden dando lugar a una desconcertante criatura, mitad artificial mitad humana, recogiendo, como la mayor parte del arte de los años veinte el tema fundamental de la década, el progreso y la modernidad. Inspirado en la pintura metafísica de Giorgio de Chirico (Andromache, 1916) (imagen de la derecha)














Le Violon d’Ingres, 1924

Es un juego de palabras visuales. Aprovechando las curvas en la espalda de Kiki de Montparnasse (modelo y amante de Man Ray), señala las similitudes entre el cuerpo de una mujer y el cuerpo de un violín. La postura y el turbante está inspirado en la obra del pintor, Ingres (The Valpincon Bather 1808) (imagen de la derecha)















Noir et blanche, 1936
En esta fotografía aparecen Kiki de Montparnasse junto a una mascara africana, los contornos de las figuras aparecen marcados por el empleo de la técnica de la solarización.

Man Ray (1890-1976)

Su nombre real es Emmanuel Rudnitzki, y su nombre artístico es una evocación a uno de los descubrimientos científicos más populares de su época, los rayos x.

Junto con Picabia y Duchamp constituye uno de los máximos representantes del dadaísmo neoyorquino.

Se educó en el Centro Ferrer de Nueva York, una institución anarquista que dejo una fuerte impronta en su personalidad.

Su cercana amistad con Duchamp influyó en su trabajo.

En 1921 se marcha a París con Duchamp hasta 1940, y allí centralizarán el movimiento dadá parisino.

En 1922 inventa los rayogramas: composición fotográfica hecha sin cámara, exponiendo el papel -previamente intervenido por objetos varios- a la luz. Hace también retratos, de hecho se convierte en fotógrafo retratista de personalidades de la cultura, como Picasso, Luis Buñuel, Einstein, Dalí, André Breton, Ava Gardner, Catherine Deneuve o Hemingway

Una vez agotada la experiencia dadaísta, Man Ray participa activamente en el naciente surrealismo. Colabora con Bretón y Dalí en la revista "La Révolution Surréaliste" e incrementa su actividad cinematográfica.

En los años treinta llegó a dominar una técnica de laboratorio que se llama solarización que es un efecto que se obtiene sobre el negativo reexpuesto a la luz blanca durante el revelado.
Experimentando con los negativos, la luz y los objetos acabaría convirtiéndose en un alquimista de la fotografía.

En 1940, escapando de la ocupación nazi de París, se instala en Hollywood y en Nueva York, regresando a Francia en el año 1951. Durante su estancia en California se gana la vida enseñando como profesor.

Poseedor de una gran imaginación, Man Ray trabajó con todos los medios posibles: pintura, escultura, fotografía, cine,...

Fallece en Francia en 1976 y es enterrado en el cementerio de Montparnasse.

f 64

Albert Renger-Patzsch
Glasses, 1927
Es una de las 100 fotografías que componen la colección “Die Welt ist Schön” (el mundo es maravilloso) donde se recogen motivos de la naturaleza, temas industriales o, como en este caso, objetos producidos en serie, con una increible precisión. Esta foto refleja la belleza de las cosas materiales: la madera, la piedra, el metal, el cristal, que adquieren un carácter casi mágico.















Auguste Sanders
Peasant Children, Westerwald, 1926-31
Pertenece a una serie de fotografías realizadas en Westerwald, donde pasó su infancia, dedicándose a fotografiar de una forma sistemática a los campesinos de la región. Sander no indica nunca el nombre de la persona fotografiada, pero sí señala su oficio.


Edward Weston
pimiento, 1930
Dotado de un gran sentido de la composición, escudriña las formas de los objetos que fotografia,Cambia la iluminación para sacarle el máximo partido al objeto, que se transforma en una emoción sin perder su condición llegando a sugerir otras formas como este pimiento, que parece un cuerpo desnudo.





Ansel Adams
Oak Tree Snowstorm, 1948
Es famoso por sus fotografías en blanco y negro Adams fue un experto en el control de la exposición fotográfica. Su conocimiento fue tan profundo que le llevo a desarrollar su teoría sobre el sistema de zonas, método de exposición que permite de conseguir la exposición deseada de forma precisa. Ecologista convencido, su amor por la naturaleza hizo que su obra girase en torno a esta temática. Sus imágenes son hoy en día auténticos símbolos de América. Esta fotografía recoge un gigantesco árbol del parque nacional natural de Yosemite de California, refleja un enorme contraste de sombras y luces.

















Imogen Cunningham
Triangles Plus One, 1928
Los desnudos (tanto sus preciosistas desnudos femeninos, como sus atrevidos y polémicos desnudos masculinos, de hecho los retratos de su marido fueron censurados en la época), las formas de plantas y flores, así como de estructuras industriales y formas arquitectónicas, consiguiendo imágenes de gran plasticidad y belleza, como muestra esta fotografía)

La propuesta de F/ 64 para la fotografía artística está sintetizada en el propio nombre del grupo: el diafragma más cerrado del objetivo fotográfico, que da como resultado una imagen de máxima nitidez. Partidarios de la fotografía directa, es decir, no manipulada, sus fotografías más importantes se caracterizan por su gran profundidad de campo, su realismo, la composición, y el control de las zonas. Los movimientos de fotografía pura se oponían tanto a las contradicciones del pictorialismo como a la experimentación que realizaban las vanguardias con la fotografía.

El orden y el equilibrio le han tomado la revancha a la pasión y han fijado unas nuevas normas: la fidelidad de lo fotográfico con la realidad y la búsqueda del perfeccionamiento técnico. La fotografía se torna especialmente documental y científica. La naturaleza, lo cotidiano, los objetos, el detalle, ... adquieren una nueva dimensión como temas fotográficos. La imagen ha de ser clara, nítida, técnicamente perfecta, lo que suscita un especial interés en los aspectos técnicos y las leyes ópticas. Lo que prima es la capacidad del fotógrafo de seleccionar y encuadrar la realidad: la mirada del artista es lo importante; los procesos de laboratorio pasan a un segundo plano.

En Europa fueron los alemanes a fines de la década de 1920 los que lideraron este movimiento hasta el punto de que en el viejo continente se habla de este movimiento como “nueva objetividad alemana”. Entre los artistas más destacados hay que mencionar a Albert Renger-Patzsch, Karl Blossfeldt, August Sanders, Josef Sudek, Doisneau o Emmanuel Sougez.

En E.E.U.U. nace en California en 1932 se les conoce como el grupo de F/ 64, nombre que proviene de este diafragma que permite la máxima claridad y definición. Trabajan especialmente las series industriales de naturaleza y sociedad. Entre los fotógrafos norteamericanos más representativos de este movimiento podemos citar a Edward Weston, Ansel Adams, Imogen Cunningham, Sonya Noskowiak ... Muchos de estos fotógrafos provienen o son herederos del grupo Photo-Secession fundado por Alfred Stieglitz a través de la revista Camera Work. El grupo se deshizo en 1935